Empecemos con la escultura arcaica. Los griegos pensaban que la escultura la había inventado Dédalo, quien supuestamente construyó el laberinto de Creta, pero como es obvio esto no es cierto, ya que tenemos esculturas desde la prehistoria.
1. Historia y características de la escultura arcaica griega
Desde el punto de vista formal la escultura arcaica griega surge del último estadio de evolución artística de la escultura egipcia. El escultor egipcio, en la mayoría de los casos, tiende a fijar características idealizadas porque el faraón es un Dios. Además el cuerpo es un estereotipo y tiende al colosalismo. El escultor griego siendo la imagen humana como un problema plástico que hay que resolver, va a buscar un tipo de belleza ideal universal y lo va a hacer construyendo la imagen en el espacio mediante el bulto redondo o figura exenta en la mayor parte de los casos. El escultor griego va a intentar ajustarse a una escala humana. Además la escultura arcaica nace en un nuevo clima político de la polis griega, siendo el desnudo un desnudo heroico (por supuesto masculino, la mujer aparecerá desnuda tardíamente). Ya un siglo atrás, en el siglo VII a.C., hubo problemas con la iconografía puesto ¿qué cara ponerle a los dioses? Esto era un problema religioso-iconográfico que se solucionó en pocos años.
La escultura es racional, constituida mediante cálculos numéricos y geométricos, buscando cada vez más el realismo.
¿Es igual toda la escultura arcaica griega? No, de hecho la escultura surge en determinados centros, cada uno desarrolló sus propias características, aunque se influirán estos centros unos a los otros. Estos centros son los talleres y escuelas de:
- Escuela Cretense o Dedálica
- Escuela Cicládica
- Escuela Jonia
- Escuela Peloponésica
- Escuela Ática
- Concebidas frontalmente, muy rígidas.
- En la gran mayoría de los casos aparece una pierna ligeramente adelantada a la otra (la izquierda).
- Brazos pegados al cuerpo con los puños cerrados.
- Cabeza cúbica con una larga cabellera.
- Dos mitades simétricas.
- Kouros / Kouroi (masculino singular y plural respectivamente) y Koré / Korai (femenino singular y plural respectivamente): se busca la unidad de la pieza, no resaltar ningún aspecto o detalle o parte del cuerpo humano. el artista no busca un contenido sociológico ni una expresión, solo una unidad plástica.
- Xoanas: esculturas de madera. Son escasísimas ya que se han perdido con el paso del tiempo. Se sabe de ellas por los textos de Pausanias y por las encontradas en templos de Samos y Dreros en Creta. Se estucaban y pintaban. Conforme avanza el tiempo dejarán de hacerse.
- Escultura criso-elefantinas: en bronce, marfil, mármol y oro.
El material que se impondría con el tiempo sería el mármol de Naxos y Paros en época arcaica. Sería el más usado, seguido del bronce. Ya en época clásica el material más usado sería el mármol pentélico, que es de color blanco puro, al que la oxidación hace coger un ligero tono amarillento.
Todo el siglo VI a.C. es el siglo de la búsqueda de la proporción y perfección que se conseguirá en época clásica.
Formas de hacer las esculturas: dependiendo del material o la pericia del artesano las esculturas se podían fabricar de varias formas. Una de las técnicas era conocida como la técnica del vaciado o bronce pleno, la cual consistía en hacer un molde negativo de arcilla en dos mitades a la cual se le vertía el bronce fundido. Después se retiraba la arcilla y daba como resultado una estatua maciza de bronce. Como el bronce era caro esta técnica solo se utilizaba para pequeñas esculturas.
Otra de las técnicas era la llamada técnica a cera perdida, y consistía en un núcleo de arcilla con la forma positiva de la estatua casi exacta, luego una capa de cera con la cual la estatua quedaba exactamente como tenía que ser en realidad, y encima de esta capa de cera otra capa de arcilla. Se dejaban dos orificios, uno por donde entraba el bronce fundido y otro por donde salía la cera. Quedaba un núcleo de arcilla, la estatua de bronce fino (donde estuvo la cera) y la capa exterior de arcilla se retiraba. Así se ahorraba bronce. Lo normal era fabricar partes de la estatua y luego unirlas.
Para las estatuas criso-elefantinas se solía poner un núcleo de madera y luego se aplicaban las láminas de marfil, oro...etc.
Por último la forma más tradicional para crear una estatua consistía en coger el bloque de piedra y tallarlo hasta darle forma de una estatua..
Para cerrar este punto uno vamos a ver las características de la escultura arcaica griega. Ya comenté justo antes las características heredadas de los egipcios pero no las propias de la escultura griega arcaica, que serían las que incluyo en este pequeño listado:
- Orejas totalmente irreales.
- Pelo realizado mediante surcos e incisiones, para conseguir un efecto de claroscuro.
- Boca recta, pero la comisura de los labios se levanta hacia arriba, formando lo que se conoce como "sonrisa arcaica". Esta sonrisa es un recurso expresivo del escultor.
- El kouros posee abdomen y costillas que en un primer momento son líneas incisas pero que con el tiempo irán siendo más reales dentro de esta misma etapa. La columna vertebral del kouros es un simple surco.
- El pubis y la pelvis en primer momento estará hecho con un simple triángulo invertido o "V", e irá siendo más abierto y real con el paso del tiempo.
- Las rodillas se harán mediante la talla de un trapecio invertido, en aquellas esculturas que lleven las piernas al aire.
- Las partes del cuerpo no tienen organización, no hay naturalidad de época clásica.
2. Escuela Cretense o Dedálica y la Escuela Cicládica
Comencemos a ver los distintos talleres de época arcaica en Grecia. Empezamos con la escuela cretense o dedálica puesto que es la más antigua, de finales del siglo VII a.C. Las primeras figuras que tenemos de esta escuela son pequeñas figurillas de bronce batido, a partir de las cuales surgirán grandes estatuas de piedra como la conocida Dama de Auxerre, que actualmente se halla en el museo del Louvre.
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| Dama de Auxerre (Autor foto: Marie-Lan Nguyen (user:Jastrow) - Fuente Wikipedia)
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También se puede aprecia esta escuela en la decoración del templo de Príneas (que ya hablamos en la entrada pasada), en la cual se observaban jinetes en relieve de baja calidad, donde las personas eran pequeñas y los caballos enormes (portando lanzas y escudos). Era un relieve plano y esquemático, con muy pocos detalles. También de este mismo templo se rescataron unas figuras femeninas con un polos (tipo de gorro) y vestidas con túnica y manto al estilo de la dama de Auxerre.
De la escuela cretense poco más se puede decir ya, por lo que avancemos hasta la escuela cicládica. Los primeros talleres de esta escuela surgieron en la isla de Naxos, a los que siguieron luego los talleres de Paros, Kios y Delos. Las primeras estatuas que hicieron eran monumentales en un intento de imitar a Egipto fruto del deseo de algunos aristócratas de la isla, pero fracasaron estrepitosamente ya que no tenían ni el personal ni los medios egipcios. De hecho las pocas estatuas monumentales que consiguieron tallar, se rompieron en su transporte, por lo que se abandonaron.
Este fracaso condujo a que se inventaran los kouroi, y los primeros son de Naxos. Vamos a ver ejemplos de ello:
- Kore de Delos: fechada en el 630 a.C., dedicada por Nicandro de Naxos en el santuario de Delos. Mide 1,75 de alto.
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| Kore de Delos (Autor foto: DerHexer. Permiso: Marcus Cyron/Greece 2008. Fuente: wikipedia) This file is licensed under the Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported, 2.5 Generic, 2.0 Generic and 1.0 Generic license. |
- Esfinge de Naxos: es una obra maestra para la época en que estamos. Está dedicada a Apolo en Delfos, agradeciendo las minas de plomo y plata de Naxos. Situada en una altísima columna jónica. Es una perfecta combinación de unn cuerpo de león alado con una cabeza femenina que se integran perfectamente. Después de esta escultura, las escuelas cicládicas entran en decadencia, como la de Naxos, y los artistas emigran a otras zonas.
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| Esfinge de Naxos (Autor foto: Ricardo André Frantz (User:Tetraktys).Fuente: wikipedia) This file is licensed under the Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported license. |
- Kouroi de la escuela de Paros: son de la mitad del siglo VI a.C. En estas esculturas se puede observar que tienen cabelleras largas, ojos de almendra, líneas de torso simple. Tienen formas redondeadas. En estos kouroi se observa que los artistas consiguen separar el brazo del cuerpo, aunque no totalmente. Esto es una señal de que la técnica se va mejorando. De hecho estos artistas son muy demandados y cuando la escuela cicládica entre en crisis emigrarán principalmente a Delfos.
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| Kouros de Ptoion (Autor foto: Marsyas. Fuente: wikipedia) This file is licensed under the Creative Commons Attribution-Share Alike 2.5 Generic license. |
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| Kouros de Paros - Imagen de dominio público |
Pero donde vemos la cúspide de la escuela cicládica es en el tesoro de los Sifnios,en el santuario de Apolo en Delfos. Estos artistas cicládicos hacen la mejor de las obras conservadas cuando están en Delfos, en un trabajo para la ciudad de Sifnos. Es la obra cumbre del arcaísmo griego. Veamos una imagen general de cómo es el tesoro de los Sifnios.
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| Reconstrucción del tesoro de los Sifnios - Imagen de dominio público |
Ya vimos que era un templo dístilo, además de ser in antis (se aprecian las antas en la fotografía de arriba) en el cual las columnas habían sido sustituidas por cariátides. Como vemos en la foto las cariátides visten chitón (túnica en griego) e himatión (manto en griego), el cual estaba doblado a la altura del pecho, cayendo en unos sitios más que en otros y recogiéndose en el brazo. Aquí vemos como las formas se alejan totalmente de los estilos egipcios, además los brazos se mueven mucho más que en las korai y en los kouroi que antes vimos. Las esculturas poco a poco se van moviendo más.
La escultura tiene en su vestimenta líneas dispuestas en todas direcciones, para dar movilidad en el tejido y evitar la monotonía.
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| Frontón del tesoro de los Sifnios (Autor foto: Yair Haklai. Fuente: wikipedia) This file is licensed under the Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported license. |
Pasemos ahora al frontón. Lo que se conserva es lo que vemos en la imagen de arriba. El tema elegido para el frontón es el mito de la disputa por el trípode sagrado. Vemos a Zeus en el centro (a quien le falta la cabeza), a Apolo a la derecha y a Herakles a la izquierda. Zeus interviene y la da la victoria a Apolo.
El tesoro tiene también un friso el cual cuenta con esculturas en medio relieve. Se ha podido documentar que el friso del tesoro está hecho por dos artistas, uno viejo educado en el llamado estilo jónico y uno joven procedente de la escuela cicládica. El artista viejo ha hecho el friso en los lados oeste y sur, mientras que el joven ha hecho el friso en los lados este y norte. Vamos a ver la temática de las cuatro partes del friso:
- Friso Este: hecho por el joven. En esta parte del friso se observa un consejo de dioses durante la guerra de Troya. Aquí está representado Zeus en su trono y a sus pies Tetis, pidiendo que proteja a su hijo Aquiles. A la izquierda están representados los dioses protectores de Troya (Afrodita, Ares y Artemis) y a la derecha los dioses protectores de los aqueos (Atenea, Hera y Démeter). Decorado con ovas y dardos.
- Friso Norte: en esta parte del friso (hecho por el joven) hay representada una gigantomaquia (la lucha de los dioses contra los gigantes). Los dioses que se ven salen de izquierda a derecha, siendo esta distribución con la cual los griegos representaban a los victoriosos. Los gigantes están tallados como hoplitas, que era la figura de lo que más miedo podía infundir en la época. Es decir, usan la figura militar más terrible para representar a los gigantes y así influir miedo en la persona que lo observase. Esta temática es una forma de abstraer las fuerzas del caos frente a las fuerzas del orden, que son los dioses. Esta parte del friso se inspira directamente en un pasaje de la Teogonía de Hesíodo. Se recurre a grabar los nombres de los gigantes en los escudos para facilitar su reconocimiento. Decir que aquí se observa la superposición de escudos, buscando dar profundidad a la escena, con hasta cinco planos superpuestos.
Friso Norte, donde se ve, de izquierda a derecha, a Dionisos, Cibeles (con su carro tirado por leones) y a Apolo y Artemis superpuestos
(Autor foto: Fingalo. Fuente: wikipedia).
This file is licensed under the Creative Commons Attribution-Share Alike 2.0 Germany license. - Friso Oeste: aunque está hecho por el artista viejo, y de menor calidad al tallar, tiene en cambio mucha sensibilidad al componer. Se ven cuadrigas que van al juicio de Paris (cuando Paris elige a la diosa más bella). La composición parece como si hubiera sido hecha "pegando" las esculturas.
- Friso Sur: representa el rapto de las hijas de Leucipo a manos de Castor y Polux. Aquí se consigue dar perspectiva gracias a la superposición de las patas de los caballos.
Friso sur - Imagen de dominio público
Y para cerrar la entrada vamos a colocar la imagen más perfecta (en cuanto a realismo se refiere) de la escuela cicládica. Esta escultura es la conocida como Apolo de Strangford. Fechada en el 500 a.C., es un gran avance con respecto a los kouroi anteriores. Observamos como el ángulo inguinal se ha dulcificado (ya no es una simple "V"), y hay una mayor complicidad entre las distintas partes del cuerpo de la escultura, además de una gran proporción. Se elimina la artificiosa "sonrisa arcaica" que se le tallaba a los kouroi.
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| Apolo de Strangford - Imagen de dominio público |
Aquí lo dejamos, mañana seguiremos con más escuelas, puesto que la cicládica y la cretense no son las únicas que existieron en época arcaica.
¡Feliz Lunes! - Hacer historia, aprehender la historia, aprendes la historia
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