ARQ. GRIEGA: período Clásico. La cerámica de Figuras Rojas de Madurez.

En la entrada de hoy vamos a ver la cerámica de figuras rojas de madurez, evolución de los motivos que vimos durante la época arcaica, y que se produce desde el año 475 al 450 a.C. aproximadamente. Son los vasos áticos los que abundan dentro de este estilo, y las formas cerámicas que se fabrican bajo este estilo son numerosas: ánforas, stamnos, pelikés, lekythos...etc.

Van a ir renunciando a la organicidad de los motivos decorativos de los vasos para tomar como modelo las esculturas y pinturas de su época, copiando los maestros pintores de la cerámica a nombres famosos de su época como Mirón (escultor) o Polignoto (pintor de grandes pinturas, no queda nada en la actualidad). Se va a intentar dar realismo a las figuras, hasta incluso sentimientos, y se va a tener cuidado especial con la anatomía. Se domina en esta época ya el escorzo con el cual se gana tridimensionalidad en la pintura, se domina el movimiento en las figuras que de distribuyen por todo el espacio, y se meten pequeños elementos en el paisaje (piedras, troncos...). 
Como último dato general a añadir, decir que a la cerámica ática le sucede ahora lo que le ocurrió a los corintios tiempo atrás: se vende tanto que aumenta la producción para buscar ganar más, por lo que decae la calidad de las pinturas con lo cual pasan a venderse menos. 

En esta época también se conocen a algunos pintores de cerámica, puesto que ya se había puesto de moda firmar las cerámicas. Así pues el primer pintor que encontramos es Cleofrades. Era hijo del pintor de Amasis, y empezó a trabajar desde el año 500 a.C. aproximadamente. Es un pintor de formas grandiosas y monumentales basadas en la escultura. Presenta hábiles trazos finos para los contornos, y es capaz de transmitir sentimientos. Las figuras son características por sus narices largas, labios con rebordes negros, orejas de grandes lóbulos...etc. 
Es muy reconocida su pintura en el ánfora de Wurzburg cuya temática es la despedida de un guerrero (aunque otros dicen que es la llegada del guerrero a casa, aunque eso es un detalle insignificante). 
Otra pieza importante es la crátera de Harvard, en la cual sale representado Dionisos, y abundan los escorzos en la representación. Aquí todavía se representa a Dionisos con barba, como un anciano, posteriormente la imagen de Dionisos que pasará al colectivo será la imagen de un dios joven. 
Este pintor también realizó ánforas panatenaikas, como la conocida como ánfora Malibú

Pintor de Berlín es otro destacado artista. Se le conoce así a causa de una de sus ánforas, pero su nombre real no se conserva. Se sabe qué piezas ha pintado él debido al análisis de los trazos y todo lo demás que conlleva pintar algo. Este pintor prescinde de todo tipo de accesorios, es decir, solo pinta una figura o dos sobre un fondo negro. 

Onésimo es otro pintor contemporáneo. Él pinta escenas cotidianas y también dionisíacas, siempre alegres y con mucho humor, para el agrado de quien las contemple. Las figuras son refinadas y elegantes. Se especializa en la forma cerámica del Kylix. Sus obras más conocidas son el kylix del Louvre (donde se ve Atenea cuyo vestido tiene pliegues oblicuos), kylix de Bruselas (donde se aprecia a una joven con un caldero de agua caliente que va a bañarse, estando ella por lo tanto desnuda), kylix del Louvre II (un jinete montado a caballo enmarcado dentro de un círculo de grecas que solo está "roto" porque se superpone la cola del caballo)
Kylix de Onésimo
(Autor foto: Michael GreenhalghFuente: wikipedia)
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Y el kylix de Boston en el cual se ve a un sátiro sentado en una gran ánfora.

Otros pintores menos conocidos son el llamado Pintor de Pan y el Pintor de Pentesileas. El primero recibe su nombre de una crátera en la que pinta a Pan (un ser mitológico) persiguiendo a un pastor, aunque en la parte de atrás de la crátera tiene también una escena donde sale Artemis mandando devorar a Acteon por sus propios perros. Esta última escena es una copia de una escultura.
El segundo pintor mencionado en este párrafo se conoce con ese nombre porque tiene un kylix cuyo interior está decorado con una escena en la cual Aquiles matando a Pentesileas. Es una escena bonita en colores, ya que usa el amarillo, castaño, dorado...etc. 

El último pintor que vamos a mencionar y del cual se conservan todavía algunas obras es el Pintor de las Nióbides. Es el artista que mejor capta la pintura mayor que existió. Gracias a las copias que él hizo en las cerámicas de las pinturas a gran tamaño de su época podemos hacernos una idea más exacta de lo que había en su época. Destaca una crátera que hay en el museo del Louvre en la cual se observa a Apolo y Artemis matando a los hijos de Nióbides (para ver una imagen de esta crátera haz clic AQUÍ). También hay otra crátera que tiene temas más pacíficos, como el descanso de los argonautas, sentados sobre rocas y cuyas figuras están a distintas alturas. Ambas composiciones son copias de pinturas de su época.

¿Qué fue de la pintura monumental griega? Hoy en día no queda absolutamente nada. Tan solo conocemos de este tipo de pintura por las copias que se hicieron en cerámica o escultura y por los textos históricos. El primer pintor del que se tiene conocimiento fue Polignoto, que vivió las guerras médicas y fue muy activo entre los años 475-447 a.C. Está considerado por sus contemporáneos como el creador de la pintura monumental. Era un hombre natura de la polis de Tasos y creció bajo la dirección de su padre (el escultor Aglaofón). En Atenas trabajó en la Stoa Poliké (pórtico pintado) donde pintó una escena de la destrucción de Troya. Consiguió la ciudadanía de Atenas gracias al excelente trabajo que realizó.
Se sabe que pintó una sala de un tesoro perteneciente a la polis de Cnido que estaba en Delfos, donde representó la Nekia, es decir, la bajada de Ulises al infierno, además de una Iliupersis (destrucción de Ilión, Troya).
En el siglo XX se quiso traer de vuelta a la vida algunas obras de Polignoto, así que el pintor alemán K. Robert hizo una reconstrucción de estas dos obras de Polignoto basadas en los relatos que conservamos sobre ellas. Se dotó de expertos pintores para que hicieran las figuras, además de fijó en el pintor de las Nióbides para conseguir más información. ¿Consiguió realmente lo que se propuso? Es imposible saberlo ya que una descripción de una obra jamás puede dar detalle de cómo es la pintura. Según Plinio, Polignoto fue el primer pintor en dibujar a las mujeres con vestidos semitransparentes, con la boca medio abierta y dejando entrever algo la sonrisa.

Parte de la reconstrucción de la obra de Polignoto que hizo Robert - Imagen de dominio público
Pues aquí terminamos. En la próxima entrada comenzaré a explicar la fase Plena del período Clásico.

¡Feliz Domingo!  - Hacer historia, aprehender la historia, aprendes la historia

ARQ. GRIEGA: período Clásico. La escultura severa exenta.

Tras un parón, de más de una semana debido a enfermedad, retomo el blog. Vuelvo, pero las entradas no serán a partir de ahora diarias, sino una semanal o como mucho dos. 

En la presente entrada vamos a ver las esculturas severas exentas, que aunque pertenecen a la fase severa debido a su cronología en cambio no tienen relación entre sí. Son un grupo de esculturas que se agrupan dentro del período severo, pero que cada una de ellas es diferentes a las demás y con características independientes. 

La primera de ellas es la conocida como Diosa Entonizada de Berlín. Está fechada en el 480 a.C., mide 1,5 metro de altura. Posiblemente era una figura de culto, venerada en una pequeña capilla o un santuario. Lleva atuendo jonio que cae en pliegues a modo de zig-zag. Tiene rasgos de koré, en el pelo, las trenzas o el himatión, además de una rigidez que nos retrotrae al período arcaico. Sin embargo contrasta estos detalles arcaicos con la facción de la cara que es clásica plenamente. 
Lo bueno de esta escultura es que nos sirve para estudiar como era el mobiliario antiguo, debido a que el sillón en el cual se sienta la estatua es reflejo de su época. Los sillones se hacían altos por lo que las piernas de las personas quedaban colgando, para lo que se colocaba un escabel debajo cuyo fin era facilitar el apoyo de los pies. 
Diosa entronizada de Berlín
(Autor foto: Ealdgyth. Fuente: wikipedia)
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Poseidón del Cabo de Artemisio: es la siguiente escultura, y es un hallazgo valiosísimo porque la dicha escultura se halla realizada en bronce. Se halló en el mar, partida en dos partes, pero curiosamente no se encontraron las dos partes a la vez. En 1926 se halló una mitad de la estatua en las profundidades del Mediterráneo, y fruto de una casualidad inexplicable dos años después se encontró también la mitad que faltaba. La escultura mide dos metros de altura y data del 470-460 a.C. Actualmente se encuentra en el museo nacional de Atenas. Es el dios Zeus el que está representado en la estatua, ya que la posición de su brazo y por el hueco que hace su mano derecha es perfecto para colocar un rayo característico del dios más poderoso del Olimpo. Sin embargo al encontrarse en el mar se le bautizó como Poseidón y es ese nombre el que ha perdurado. Además por si quedaban dudas se encontró una estatuilla de bronce en Dídima en la cual aparece Zeus exactamente en la misma posición. 
La técnica del bronce es impecable y desde el punto de vista estilístico pertenece al período clásico (no como la estatua anterior que cronológicamente era clásica pero estilísticamente era arcaica). Tan solo la barba y el pelo de la cabeza pueden oler lejanamente a arcaísmo. 
Respecto a la postura el dios se mantiene sobre sus pies, tiene una soltura absoluta y no encaja muy bien en la fase severa ya que es de formas muy abiertas, que son típicas del período clásico puro. La posición en la que tiene las piernas no es muy natural, es decir, que una persona que fuese a lanzar algo de esa forma no colocaría nunca las piernas en esa posición (más que nada por una cuestión de simple equilibrio). Esta pieza es de valor incalculable ya que las esculturas en bronce son muy extrañas que nos hallan llegado ya que el metal siempre se refundía para aprovecharlo para otros fines. 
Poseidón (Zeus) del cabo de Artemisio
(Autor foto: Pellegrini (User:Tetraktys). Fuente: wikipedia)
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Auriga de Delfos: esta obra fue encontrada en las excavaciones de Delfos. Mide 1,8 metros de altura, y data del 478-474 a.C. Está realizada en bronce y fue un exvoto de un tirano de la polis de Gela (en la Magna Grecia) llamado Polyzalos. Este tirano dedica la estatua ya que ganó una carrera de cuadrigas en los juegos deportivos de Delfos. 
Se piensa que esta estatura era mucho mayor, y también estarían los caballos y dos siervos a su lado. Se desconoce el nombre de la persona que creó esta obra. El personaje se viste con una larga túnica que se anuda debajo de las costillas. La túnica es aparentemente rígida sin movilidad pero hay algo importante: ningún pliegue es igual a otro por lo que hay un  deseo del autor de dar movilidad a la composición. La figura es cerrada en sí misma, con los brazos muy pegados al cuerpo, y la cabeza es totalmente clásica: nariz-frente haciendo un plano, ojos clásicos (no almendrados) que conservan restos de la pasta vítrea que daba color blanco, la boca y barbilla están redondeadas, los rizos están muy bien definidos. ¿Qué es el único resabio arcaico que tiene la figura? El pelo de la cabeza por encima de la tenia (cinta del pelo) que son simples surcos.
El personaje está representado en el momento de la calma que precede a la salida en la carrera. 
Auriga de Delfos
(Autor foto: RaminusFalcon. Fuente: wikipedia)
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Bronces de Riace: estos bronces, dos estatuas, se encontraron en el mar en el año 1972. Están fechadas sobre el 460 a.C. Son dos figuras de guerreros, sin nombre propio, se les conoce como Bronce A, escultura que conserva ambos ojos hechos en pasta vítrea y que llevaba una lanza y escudo; y el Bronce B, que solo tiene un ojo y portaba una espada y un escudo. 
Están en postura de contraposto: una pierna soportando el peso del cuerpo, torsión de cadera y la otra pierna relajada. Por la postura que tienen pertenecen a la fase severa del período clásico, aunque por la anatomía son de la fase plena del período clásico ya que es una anatomía perfecta.
Pudieron ambas esculturas ser creadas en el mismo taller y a manos del mismo maestro. Sabemos que son guerreros y no dioses a causa de que los dioses masculinos no necesitaban escudos.
Bronce de Riace B
(Autor foto: AlMare. Fuente: wikipedia)
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Bronce de Riace A (en primer plano) - Imagen de dominio público

Los Tiranicidas: para entender estas esculturas hay que meterse un poco en la historia real, ya que son representaciones escultóricas de dos personajes que existieron. Los aquí representados son Harmodios (el joven) y Aristogeitón (anciano), ambos amantes. En la historia de Atenas, cuando falleció el tirano Pisístrato (querido por el pueblo) le sucedieron sus dos hijos: Hiparco (un tirano bueno y querido) e Hipias (un tirano despiadado). Estos dos hermanos serán muy odiados en Atenas, hasta tal punto que Harmodios y Aristogeitón deciden arriesgarse e intentar matarlos. Consiguen acabar con la vida de Hiparco, pero Hipias escapa a Persépolis. Es Hipias quien cuenta todos los secretos de Atenas a Jerjes (defensas de la ciudad, forma de batalla de los griegos...etc.). Fue su consejero y lo ayudó a invadir Grecia, de hecho pudo presenciar con deleite incluso cómo se arrasaba la Atenas que una vez el mismo gobernó. 
Los atenienses construyeron estas dos estatuas en honor a los dos tiranicidas pero las originales se las llevaron los persas a Persépolis, por lo que los atenienses tuvieron que hacer unas nuevas. Cuando Alejandro Magno conquistó Persépolis mandó devolver las esculturas originales a Atenas. 
Las que se ven en la foto fueron esculpidas por Kritios y Nesiotes, están fechadas en el 477-476 a.C. Las originales que los persas se llevaron y de las que no disponemos de copias en la actualidad, se hicieron en el 509 a.C., y fueron esculpidas por Antenor
Todas las originales fueron realizadas en mármol, las copias que se conservan son de mármol y miden 1,95 metros de altura. Anatómicamente son perfectas, respecto a las posturas el joven es de las primeras esculturas que levanta el brazo por encima de la cabeza. Por la forma de tener tallado el pelo están incluidas en la fase severa.
Tiranicidas
(Autor foto: Miguel Hermoso Cuesta. Fuente: wikipedia)
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Trono Ludovisi: este relieve lleva este nombre porque perteneció a la familia Ludovisi en Italia. Aunque se denomine trono realmente no lo es. Estamos ante la decoración escultórica de una basa de una estatua que seguramente estuvo dedicada a Afrodita. 
En el panel superior de este relieve se encuentra representado el nacimiento de Afrodita que está saliendo del mar y está a su vez siendo atendida por dos personas que la cubren con un paño. La diosa sale vestida con una túnica muy fina de lino que está mojada y la lleva pegada al cuerpo. Contrasta con los pliegues de las sirvientas que no están adheridos al cuerpo a causa de que no están mojados. Quizás sea el primer pseudodesnudo femenino griego (Afrodita) y quizás también el primer desnudo griego de una mujer (la sirvienta). La sirvienta que está desnuda toca el aulós, y está sentada en un cojín que se hunde bajo su peso. 
La sirvienta que está vestida lo está gracias a un chitón e himatión, y tiene a su lado un recipiente llamado thimaterion donde se pone incienso como ofrenda a los dioses. Esta basa y sus relieves están fechados en el año 470 a.C. 
Uno de los paneles del trono Ludovisi - Imagen de dominio público

El próximo día explicaremos la cerámica clásica del período severo. 

¡Feliz Sábado!  - Hacer historia, aprehender la historia, aprendes la historia

ARQ. GRIEGA: período Clásico. Escultura templaria de la fase Severa.

Comencemos con la escultura clásica de fase severa, pero la de tipo templaria/religiosa (como la que había decorando los frontones de templos griegos). La escultura exenta o libre de temas variados la dejaremos para la próxima entrada. 

Las esculturas clásicas severas pueden parecer simples pero nunca van a caer en la inorganicidad del arcaísmo. El escultor va a aprender todo sobre la anatomía (huesos, músculos...) y se va a conseguir alcanzar un canon de belleza ideal. Las distintas partes del cuerpo van a estar cohesionadas.
Otra característica va a ser la serenidad de lo clásico, es decir, no hace falta que las figuras rían o lloren (por ejemplo como ya veremos la escultura del Discóbolo está en tensión pero su cara no expresa sentimientos). Los sentimientos o defectos humanos aparecerán en el helenismo (posterior a la época clásica).
El escultor griego va a buscar una figura humana lo más real posible, para ello la escultura estará hecha a base de números (se calcula y se estudia, además que se mide antes de tallar), con todas las partes relacionadas proporcionalmente entre sí (dedos entre sí, brazos entre sí...). En resumen que es un escultura muy pensada y meditada. ¿Cuáles son las características de la escultura severa? Estas:
  • Composición tranquila, ritmo pausado.
  • Formas cerradas, las figuras se pliegan sobre sí mismas, al contrario que en época helenística como ya veremos en su momento, con extremidades muy despegadas del cuerpo y posturas muy extravagantes.
  • Talla cuidada, realizada mediante cincel plano, se van a conseguir zonas muy lisas en la superficie de la escultura (como por ejemplo pectorales). 
  • Simplicidad en el vestido y peinado que llevarán las figuras. 
  • Seriedad en el rostro, se borra la sonrisa arcaica. 

Después de señalar las principales características de la escultura severa vamos a hacer visible todo esto a través de ejemplos. Lo primero que vamos a ver relativo a la escultura severa templaria son las estatuas de los frontones del templo de Aphaia o Afaya en Egina. En ambos frontones se observa una misma temática estatuaria: los héroes eginetas que lucharon en la batalla de Troya. Según la mitología dos veces participaron o lucharon los eginetas en Troya, la primera ocasión en fechas muy remotas, la segunda ocasión lucharon en la propia guerra de Troya. Por la presencia de la figura de Herakles en las esculturas se piensa que la temática hace referencia a esta primera vez que los eginetas lucharon en Troya. 
Lo curioso de estos frontones es que nos permiten ver una evolución de la escultura de final del arcaísmo a principios del período severo, ya que aunque los dos frontones originales se esculpieron en el 510-500 a.C., el frontón oriental se rompió debido quizás a un movimiento de tierras que hizo pedazos las esculturas. A razón de esto el frontón oriental se volvió a esculpir pero ya en el 490 a.C., ya dentro de la fase severa. Se observan entonces:
  1. Un frontón viejo u occidental fechado en el 510-500 a.C., en el cual las esculturas que se conservan portan la sonrisa arcaica, formas y posturas forzadas...etc. En el centro de este frontón se encontraba la diosa Aphaia, además había otras figuras como un arquero troyano (reconocido por el gorro que porta), un guerrero herido con pelo y sonrisa arcaica...etc. A pesar de estar metido en el período arcaico final las figuras ya tienen movimiento: torsión de caderas, piernas cruzadas en el caso del soldado herido, posturas difíciles...etc.
  2. Un frontón nuevo u oriental, fechado en el 490 a.C., caracterizado por mayor unidad e detalles y una composición casi perfecta. Es similar al anterior frontón ya que también está Aphaia, guerreros heridos, arqueros...etc. Las figuras son de mayor calidad, tienen más movimiento, anatómicamente más perfectas...etc. Ejemplo de todo esto es la escultura de Herakles lanzando una flecha, sin arcaísmo, con el leontés en la cabeza (piel de león), con la musculatura marcada perfectamente. Tan solo encontramos atisbos residuales arcaicos en una leve sonrisa que tiene el soldado herido y en la barba de esta misma escultura. 
Frontones del Templo de Aphaia. El de arriba es el oriental, el de abajo el occidental
(Autor foto: Cédric Boissière. Fuente: wikipedia)
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Dejamos los frontones del templo de Aphaia para ver otros frontones: los del templo de Zeus en la ciudad de Olimpia
Primero vamos a explicar el fronton oeste (occidental), que data del 456 a.C. En el hay representada una escena de centauromaquia en un mito conocido como la boda de Piritoo con Hipodamia. Según este mito unos centauros fueron invitados a la boda de unos líderes lapitas: Piritoo con la bella Hipodamia. Aunque según la mitología los centauros son pacíficos y bondadosos, si beben vino enloquecen y aflora su parte animal. En la celebración de la boda, tras emborracharse, los centauros tratan de violar a la novia y raptar a las invitadas. Los lapitas salen a defender a las mujeres y se forma una batalla, de la cual salen victoriosos los lapitas. 
En el centro de este frontón está Apolo, a su derecha Teseo, a la izquierda se encuentra Piritoo atacando a Euritión (rey de los centauros) que quiere raptar a la novia. Frontón en movimiento, composición dinámica, escenas cerradas, pliegues muy generosos...etc. Las estatuas son esculturas exentas (no alto-relieves como alguien puede pensar).
Frontón oeste, la centauromaquia. Apolo es la figura que mejor se conserva
(Autor foto: Angela Monika Arnold Fuente: wikipedia)
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El otro frontón es el oriental. En él se representa la carrera de carros entre Pelops y Enomao. Enomao era rey de Pisa en Olimpia. Él es el padre de Hipodamia (la novia de la boda). Hipodamia quería casarse pero su padre no la dejaba. Su padre retaba a cada pretendiente de su hija a una carrera de carros, si el pretendiente ganaba se casaría, si perdía sería ejecutado. Enomao hacía trampa ya que sus caballos eran mágicos y siempre ganaba, por lo que muchos pretendientes fueron ejecutados. Pero llegó Pelops, a quién el dios Poseidón le dio unos caballos sagrados imbatibles como regalo, ya que fueron amantes. Pelops consiguió ganar y el conseguir el derecho a casarse con Hipodamia. Otra versión del mito dice que Pelops sobornó al auriga de Enomao, por lo que el auriga cambió los ejes del carro por otros de cera los cuales se fracturaron en mitad de la carrera. Luego Pelops no cumplió su promesa de pagar al auriga, por lo que el auriga maldijo a Pelops y todos sus descendientes (lo cual da lugar a otro mito). 
El frontón es de composición cerrada, transmiten (las esculturas) la sensación de tensión que precede a la carrera de caballos. Las dos personas representadas en las estatuas de los extremos representan los ríos de la ciudad. Los pliegues de las vestimentas de las figuras son excepcionales. 

El templo también tenía metopas las cuales en la actualidad se conservan muy mal. Eran 12 metopas, 6 en la pronaos y otras seis en el opistodomos. Miden 1,6 x 1,5 metros. En ellas están representados los trabajos de Herakles. El artista ha querido resaltar la parte humana de dicho personaje a través de las emociones: fatiga, orgullo, concentración...). Tiene muy buen modelado. En las metopas prima la composición triangular, aunque también en alguna de ellas hay composición vertical. Una de las metopas es especialmente curiosa, se trata del trabajo de las "Manzanas de las Hespérides". Las Hespérides eran las Islas Canarias, que era el último territorio conocido en la antigüedad, del sur. Esta es la metopa número XI, en este trabajo Herakles tenía que buscar las manzanas de oro de las Hespérides, para lo que Atlas (un gigantes) tenía que ayudarle. Atlas sostenía el mundo en sus espaldas, puesto que ocupó Herakles mientras Atlas encontraba las manzanas y se las entregaba. Herakles tuvo que ser ayudado por Atenea puesto que él no tenía tanta fuerza como Atlas. Pero Atlas una vez librado del peso no quería volver a sostener el mundo. Herakles tuvo que engañarlo diciéndole que él se quedaría allí para siempre, pero que sostuviese el mundo cinco minutos más mientras él se ponía un almohadilla para serle más cómodo. En ese momento que Atlas cogió de nuevo el mundo, Herakles aprovechó para irse de allí. 
Para ver unos dibujos de cómo serían  las metopas haz clic AQUÍ

También hay metopas en otros templos o edificios, como es el caso de las metopas del Tesoro de los Atenienses en Delfos. En las metopas de este tesoro están representadas las aventuras de Teseo y Hércules (Herakles). Es la transición de época arcaica a clásica, ya que hay mucha variedad en cuanto a ejecución, seguramente no fueron hechas en el mismo año, y con un 100% de seguridad, no fueron hechas por la misma persona. Algunas son tan arcaicas que son korai y kouroi los representados, otras son de mayor calidad como en la que muestra a Herakles luchando contra un centauro, llevando puesta la piel del león de Nemea (haz clic AQUÍ para ver esta metopa).

Por último decir que en la Magna Grecia también tenemos metopas de transición entre un período y otro, pero es una transición más anclada en el arcaísmo (a pesar de que cronológicamente estamos en la fase severa de época clásica). Esto es símbolo del atraso que sufrían en la Magna Grecia en estos momentos en cuanto a reproducción artística y arquitectura. Ejemplo de ello lo vemos en una metopa de un templo de Hera en Selinunte, metopa realizada sobre una placa de caliza, donde vemos a Artemisa con Acteón, siendo este último devorado por sus propios perros a orden de Artemisa. 
Metopa conocida como Artemisa y Acteón. Autor foto: G.dallorto. Fuente: wikipedia. 
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Aquí terminamos la entrada. La próxima sobre escultura exenta de la fase severa del período clásico.


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ARQ. GRIEGA: período Clásico. Introducción y arquitectura de la fase Severa.

1. Introducción


Comenzamos en esta entrada el período clásico. Lo primero que vamos a dejar claro va a ser la periodización del mismo. La época clásica no es simplemente el siglo V a.C. como se suele generalizar y señalar. La época clásica tuvo o pasó por varias fases si a la arqueología y arte nos referimos. Estas fases de la época clásica con:
  • Período de Transición del arcaísmo al clasicismo: 500 al 490 a.C. De esta fase ya hemos visto algunas obras en entradas anteriores. Esta fase está caracterizada porque el clasicismo no es puro, hay una imposibilidad para situar los hallazgos en una fase concreta (arcaica o clásica) ya que son híbridos entre las dos épocas. 
  • Período Severo o Alta Época Clásica: abarca desde el 490/80 al 450 a.C. Las obras son clásicas ya, está en esta época el clasicismo extendido a la gran mayoría de las polis. 
  • Época clásica por excelencia: del 450 a.C. al 420 a.C. Hay un perfeccionamiento de las formas clásicas, es la época de las grandes construcciones clásicas, las obras clásicas más importantes tanto a nivel escultural como arquitectónico...etc. 
  • Época clásica final o Estilo Bello: del 420 a.C. hasta la muerte de Alejandro Magno en el 323 a.C. Es cuando se llega al mayor nivel de realismo, proporción y calidad (sobre todo en la escultura). 

Decir que la transición de lo arcaico a lo clásico está marcado por las Guerras Médicas (las guerras contra los medo-persas), ya que en el 490 a.C. fue la primera invasión de Grecia por los persas con Darío I a la cabeza. La victoria fue griega en la batalla de Maratón. 
La segunda invasión persa se produjo cuando reinaba Jerjes, en el año 480 a.C., con casi un millón de soldados según los escritos antiguos (realmente sería menos cantidad de hombres). Aunque los persas vencieron en la batalla de las Termópilas (los famosos 300 espartanos caídos) y saquearon Atenas, un mes más tarde los atenienses destrozaron la flota persa en la batalla de Salamina. y un año más tarde (en el 479 a.C.) en la batalla de Platea los griegos vencen definitivamente a los persas. Como vemos ambas fechas marcan el inicio del período clásico, en su fase Severa. 


2. Arquitectura clásica de la fase severa


El estilo severo es ya algo totalmente griego, sin influencias de nadie. La figura humana será el motivo principal a partir de ahora en esta época tanto en pintura como escultura o arquitectura. Es ahora cuando el orden arquitectónico dórico alcanza su madurez y plenitud (antes veíamos capiteles dóricos aplastados, o columnas desproporcionadas en comparación con el entablamento...etc.). Veamos todo esto con ejemplos reales:

- Tesoro de los Atenienses: en Delfos. Es un edificio que se encuentra reconstruido con materiales originales y materiales de reciente creación. Es un tesoro dístilo, con pronaos y naos, aunque pequeño. Es un monumento de transición entre el período arcaico en ciertos aspectos y el período clásico. Se mandó a construir para conmemorar la victoria de los atenienses sobre los medos en la batalla de Maratón, y así de paso guardar el botín de la guerra como una ofrenda a Apolo. Podemos observar que las columnas son más esbeltas que en época arcaica, además no tienen éntasis ni el equino está "aplastado" como las columnas arcaicas, sino que posee forma de cesta (que es la forma clásica).
Tesoro de los Atenienses 
(Autor foto: Smoddy. Fuente: wikipedia)
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- Templo de Aphaia en Egina: también llamado de Afaya. Egina era una polis griega situada en una isla que siempre tuvo rivalidad con Atenas en lo que al comercio se refiere. Egina está cerca de donde se celebró la batalla de Salamina. El templo estaba dedicado a una diosa local (Aphaia), de ahí su nombre.
Este templo se sitúa en el extremo de la isla encima de una montaña. El templo fue ubicado dentro del themenos (recinto sagrado de la ciudad). Se construyó entre los años 500-490 a.C., es hexástilo (de 6x12) y se acerca a la proporción clásica (que es el doble del frontal +1, en este caso hubiera sido 13 columnas de lado para cumplir el canon clásico).
Tiene pronaos, naos dividida en tres naves debido a una doble columnata y un opistodomos. Es de orden dórico, y las columnas tienen una esbeltez perfecta, además el equino del capitel es totalmente clásico.
Los triglifos y las metopas están colocadas perfectamente, coincidiendo el eje de cada triglifo con el eje de cada columna o intercolumnio.
El problema es la conservación del templo que no es de mármol, sino de piedra caliza. Esto ha provocado que se vea muy afectado por la erosión del mar.
Templo de Aphaia o Afaya
(Autor foto: Martin451. Fuente: wikipedia)
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- Templo de Zeus en Olimpia: edificado entre el 471-456 a.C., aunque hay discrepancias en esta fecha. El arquitecto fue Libón de Elis. Este templo tenía una estatua gigante crisoelefantina de Zeus que fue famosa en la antigüedad, y que fue realizada por mano de Fidias. Fue considerada una de las 7 maravillas de la antigüedad. Este templo es cumbre en el estilo dórico y no por casualidad ya que Libón había viajado en su época para ver todos los templos dóricos (visitó también el de Egina) y tener ideas para hacer el mejor.
Era un templo hexástilo, de 6x13 (cumple el canon clásico), con pronaos, naos y opistodomos. Tenía 64 metros de largo por 27 de ancho y presentaba doble orden de columnas en la cella lo cual dividía el espacio de la naos en tres naves.
La construcción del templo está basada en el orden más perfecto, en la subordinación de las partes al todo, con proporciones, con corrección óptica, dándole curvatura (apenas perceptible) al entablamento. Sus capiteles tenían la forma clásica, y estaban construidos en bloques monolíticos. El templo estaba construido con piedra caliza y estucado luego en mármol. Fue destruido por un terremoto.
Reconstrucción dibujada de una sección del Templo de Zeus en Olimpia - Imagen de dominio público.
- Templo de Hera II en Poseidonia (Paestum), en Magna Grecia: data del 460 a.C. Está muy bien conservado, es hexástilo y períptero, con pronaos y opistodomos. Es además dístilo in antis. Conserva parte de las escalinatas que tenía el templo para acceder al mismo. tiene un capitel totalmente clásico, con columnas esbeltas, aunque no cumple el canon clásico puesto que se pasa de la proporción (es 6x14).
Templo de Hera II en Poseidonia
(Autor foto: Berthold Werner. Fuente: wikipedia)
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- Templo de Zeus Olímpico u Olimpeión en Agrigento, en Magna Grecia: está fechado en el 480 a.C. Es el más grande que existió y el más raro. Era septástilo y pseudoperíptero, de 7x14. Tenía 112 metros de largo por 56 de ancho. Contaba con un muro que cegaba los intercolumnios a excepción de dos partes que era por las que se accedía al interior. La cella estaba dividida en tres naves pero no por dos hileras de columnas sino por dos hileras de pilares (esto es extrañísimo) que estaban también unidos por un muro. Sus columnas tenían 19 metros de altura (sin contar el entablamento), y los intercolumnios tenían, encima del muro que los cerraba, telamones (estatuas masculinas que sirven como sostén en arquitectura). Un solo telamón tenía 7 metros de altura. 
Maqueta del Olimpeión en Agrigento
(Autor foto: Clemensfranz Fuente: wikipedia)
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Por último solo nombrar otro templo más de esta fase Severa de la época clásica: el templo de Hera en Selinunte. Es un templo de 6x15 que no cumple el canon clásico en cuanto a la proporción de columnas pero que si es clásico en cuanto a su construcción, esbeltez y capiteles. Tiene pronaos, naos y adyton (lo cual es extraño), además de ser in antis. Data del 450 a.C. pero en cuanto a estilo es severo. Para ver una foto del mismo haz clic AQ.

Pues aquí dejamos la presente entrada. El próximo día tocará el turno a analizar la escultura clásica de la fase severa adjunta a templos.

¡Feliz Sábado!  - Hacer historia, aprehender la historia, aprendes la historia

ARQ. GRIEGA: período Arcaico. Los "Pequeños Maestros" de figuras negras. Ánforas Panatenaikas de figuras negras. La cerámica de Figuras Rojas Arcaica.

Aunque el título de la entrada es muy pomposo y largo la verdad que vamos a ser breves en las explicaciones. Comencemos hablando de los llamados "pequeños maestros". Estos maestros áticos están muy influenciados por el estilo corintio (que decoraban cerámicas pequeñas). Estos maestros suelen decorar en la gran mayoría de los casos pequeños kylices.
El nombre de "pequeños maestros" lo adquieren por afinidad a los maestros alemanes del renacimiento (Durero). Los tipos de kylices que decoran estos maestros (aparte de los comunes) son:
  • Los llamados Siana, son kylices de pie muy bajo, panzudos. La pintura en estos casos abarca la totalidad de la copa, incluyendo el interior de la misma. 
  • Los llamados Kylix de Labio, de pie más esbelto y menos panzudos que los anteriores. Este tipo de kylix los pequeños maestros lo decoran solo con una pequeña figura en el labio de la misma.
    Kylix de Labio
    (Autor foto: Marcus Cyron. Fuente: wikipedia)
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  • Los conocidos como Kylix de Banda, ellos decoran en este caso solo el cuerpo de la copa mientras que el labio lo dejan sin decoración. En las etapas finales se decoran con ojos el espacio que previamente no había sido rellenado.

Dejemos atrás a estos maestros para comentar el tema de las ánforas panatenaikas. Son unas ánforas que comenzaron a existir en el año 566 a.C., año en que fueron ideados unos juegos en honor a Atenea en Atenas. El impulsor de estos juegos fue el tirano Pisístrato. Los juegos se mantuvieron a lo largo de toda la historia de Atenas. Se componían de pruebas de carreras de caballos, de carreras a pie, de lucha cuerpo a cuerpo...etc. Cada categoría tenía su ganador.
En estos juegos se daba como premio al ganador de su categoría un ánfora con por un lado la imagen de Atenea mirando a la izquierda con la inscripción que rezaba "Soy de la competición de Atenea"; y por el otro una escena de la competición en la que había sido victoriosa la persona. A partir del año 340 a.C. a Atenea se la empezará a representar mirando hacia la derecha (se desconoce el por qué). Este ánfora contenía aceite de oliva refinado que se daba como premio al ganador, además de llevarse el honor de haber sido el mejor entre los mejores. 
Cada ánfora tiene una inscripción con el nombre del arconte epónimo que gobernaba la ciudad ese año. Como actualmente conservamos una lista con todos los nombres de los arcontes y los años en que gobernaron, si encontramos una ánfora panatenaika podemos saber con total exactitud a qué año pertenece. Como las ánforas panatenaikas las dieron durante tantos años las tenemos en figuras negras, rojas, arcaicas, clásicas, helenísticas...etc. 
Ánfora Panatenaika de época Arcaica (o Panatenaica) - Imagen de dominio público
Como podemos observar en la foto son ánforas con forma de pera, con pie pequeño o muy pequeño. En el caso de la foto es un ánfora que pertenece a una carrera. 
Actualmente conservamos bastantes ánforas del siglo VI a.C. y del IV a.C., pero escasean las referentes al siglo V a.C. La más antigua que tenemos es la que se conoce con el nombre de ánfora panatenaika de Burgón que está datada en el 560 a.C. (clic AQUÍ para ver imagen), tan solo seis años después de que comenzaran los juegos. 


Demos paso a hablar ya de las conocidas cerámicas de figuras rojas arcaicas. Las figuras rojas se inventaron en época arcaica, y continuarán en época clásica solo que de mayor calidad. En época clásica se les conocerá como cerámicas de figuras rojas maduras.
Es raro saberlo pero conocemos al inventor de este tipo de pintura, el pintor Andócides. Era un pintor discípulo de Exequias, que estuvo en actividad desde el 535 al 515 a.C. Muchos pintores en su época estuvieron intentando hacer cosas "revolucionarias" que les produjese gran fama y ventas. El único que tuvo la genial idea fue Andócides, que se le ocurrió en invertir el color, de modo que el fondo sería de color negro y las figuras quedarían en tonos rojizos. 
En un primer momento Andócides hizo lo que se conocen como ánforas bilingües, es decir por un lado una cierta imagen hecha en color negro (cerámica de figuras negras) y por la otra cara una imagen en figuras rojas. Quiso de esta forma tantear la aceptación en el mercado de estos dibujos , para así contentar a todos. Una vez visto que estos nuevos estilos tuvieron una gran aceptación y demanda Andócides comenzó a pintarlas completamente en figuras rojas. 
En la pintura de figuras rojas el punzón se abandona (ya no hay que rallar pintura negra) para dar paso al uso del pincel en exclusiva que tiene la ventaja de que si el trazo es equivocado se puede rectificar a medias siempre que el fallo no sea garrafal. 
Ánfora bilingüe de Andócides, cara con figuras rojas - Imagen de dominio público

Ánfora bilingüe de Andócides, cara con las figuras negras tradicionales.
Si Andócides fue el inventor de las figuras rojas, Euphronios fue quien perfeccionó el dibujo de figuras rojas, alcanzando mayor calidad. Eufronio trabajó entre el 540 y el 510 a.C. Se especializó en vasos grandes (ánforas y cráteras principalmente) pero también decoró muchos kylices. Es una de las grandes celebridades que ya tenía reconocimiento incluso en su época. Consigue con su trazo gran escorzo, profundidad y movimiento al dar "vida" a los cuerpos representados. Consigue una buenas expresiones faciales a la hora de pintar personajes. También es un amante de las escenas cotidianas y recurre a representar a gente de su alrededor a la hora de ponerse a pintar. 
Una de sus obras más importantes es la conocida como Crátera de la Muerte de Sarpedón. En esta pieza de 45 centímetros de altura vemos a Sarpedón tendido siendo sujetado por Hipnos y Thanatos (el sueño y la muerte). En medio de la escena se encuentra el dios Hermes con el cauduceo, dispuesto para llevarse el alma del difunto. 
Crátera de la muerte de Sarpedón - Imagen de dominio público
Otra crátera de Euphronios es la conocida como Herakles y Anteo. En ella se representa una escena mitológica donde Herakles lucha contra Anteo. Anteo era un gigante poderoso que vivía en el extremo occidente (más allá del estrecho de Gibraltar). Este gigante construyó un templo con cráneos humanos a Poseidón, y los cráneos los conseguía de sus víctimas a las que retaba a luchar. Por ello tenía el favor de Poseidón, además del de Gea, quien le daba renovadas fuerzas cada vez que tocaba la tierra (era su madre). Anteo retó a Herakles, quien fue derribado tres veces puesto que cuando iba a ganar, Gea renovaba las fuerzas de su hijo Anteo. Herakles se percató de esto por lo que a la cuarta vez levantó a Anteo en el aire y allí lo asfixió hasta la muerte. De esta forma Gea no pudo devolverle la fuerza a su hijo.
Lucha de Herakles (Hércules) y Anteo - Imagen de dominio público
Para finalizar esta breve entrada, voy a hablar del pintor de figuras rojas arcaicas Eutimides. No solo era pintor sino que como muchos otros también fue ceramista. Trabajó desde el 540 al 510 a.C. Se conocen de él 6 vasos firmados aunque se le atribuyen muchos más sin firmar. Pinta figuras atléticas, escorzos, gente en carros...etc. Despliega su conocimiento anatómico y empiezan a aparecer los pliegues en las vestimentas de las figuras (hechos con pincel, nunca con punzón). 
Una de las ánforas de Eutimides es la conocida como de Munich. En ella sale representado el guerrero Héctor armándose delante de sus padres, preparándose para la guerra. Detrás de esta mis ánfora hay una dibujo de una escena en la que salen los comastas, es decir, los jóvenes de juerga, bebiendo vino y bailando. 
Ánfora dibujada por Eutimides - Imagen de dominio público
Pues con esto acabamos la cerámica y ponemos punto y final a la época arcaica. El próximo día empezaremos la época clásica. 

¡Feliz Viernes!  - Hacer historia, aprehender la historia, aprendes la historia

ARQ. GRIEGA: período Arcaico. Escultura arcaica de la Magna Grecia. La cerámica griega arcaica de Figuras Negras.

1. Escultura arcaica de la Magna Grecia


Hemos separado esta parte de al escultura griega arcaica puesto que la Magna Grecia estaba alejada de las grandes sedes o centros de producción. Es por ello que la escultura desarrollada en esta zona durante esta época es una escultura con una enorme tosquedad e ingenuidad a la hora de componer. 

Vamos a ver los relieves que han llegado a nuestros días del llamado Templo C de Selinunte. Uno de estos relieves está hecho en una metopa, cuya temática es la muerte de la gorgona a manos de Perseo. Hay tres figuras: Atenea a la izquierda, Perseo en medio y la gorgona Medusa en la derecha a la cual Perseo le está rebanando el cuello con un arma blanca. Es un medio relieve, con figuras sin proporción correcta, con extrema frontalidad...etc.
Metopa del templo C de Selinunte
(Autor foto: G.dallorto. Fuente: wikipedia)
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Otros de los relieves de este templo es la Cuádriga de Helios, el dios sol con sus caballos. Dos de los caballos miran al frente. Esta metopa del mismo templo es un alto relieve.
Metopa del templo C de Selinunte
(Autor foto: G.dallorto. Fuente: wikipedia)
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También de este mismo templo tenemos otra metopa conocida como Herakles y los cércopes, representa la escena de un mito en el que Herakles captura a estos dos ladrones y los lleva atados de una pierna. En el mito estos ladrones se ríen cuando van colgados, a Herakles le soprende que se rían siendo prisioneros y les pregunta cuál es la causa de su risa. Los ladrones le contestan que se ríen porque la posición en la que están colgados les resulta cómica y graciosa. A Herakles le hace gracia la respuesta y los libera.
Metopa del templo C de Selinunte
(Autor foto: G.dallorto. Fuente: wikipedia)
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También tenemos metopas de otros templos de Selinunte, también de época arcaica como del Templo D o el Templo F. En el caso del Templo F se han conservado unas metopas con escenas de la gigantomaquia en las que se puede ver a Dionisos luchando contra un gigante y Atenea luchando contra un gigante que tiene la boca exageradamente abierta...etc. Son relieves muy toscos y están fechados en el 550 a.C.
Metopa del templo F de Selinunte
(Autor foto: G.dallorto. Fuente: wikipedia)
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Metopa del templo F de Selinunte
(Autor foto: G.dallorto. Fuente: wikipedia)
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2. Cerámica arcaica griega de Figuras Negras


Cerámica arcaica griega la hubo en infinidad de ciudades, cada polis tenía su centro de producción y cada cual las fabricaba a su estilo y forma. Si las esculturas son a día de hoy escasas no pasa lo mismo con la cerámica. Tenemos miles y miles de recipientes cerámicos tanto completos como en fragmentos. Es imposible catalogar y mostrar aquí todas las piezas puesto que nos llevaría a tener un blog con miles de entradas solo dedicado a eso. Se ha conservado muchísima cerámica porque es un objeto que ya de por sí tiene fácil conservación, tenía mil veces más producción que la estatuaria, y además porque era muy común ponerlas como ofrendas en muchos sitios, por ejemplo, los etruscos solían ponerla en sus enterramientos.
Nosotros solo vamos a hablar de la cerámica ática, la de mayor calidad. A lo largo del VI a.C. Atenas eliminará comercialmente a los corintios ya que la cerámica ática era la mejor y por lo tanto más demandada. ¿Por qué es importante para nosotros la cerámica ática? Por los siguientes motivos:
  1. Sirven para datar los estratos donde se hallan, ya que están muy bien estudiadas.
  2. A través de los vasos áticos se difunde la cultura griega por todo el Mediterráneo, la mitología griega (y las escenas de vida cotidiana) llegarán a todos los rincones. 
  3. Gracias a la cerámica ática conocemos muchos aspectos de la vida cotidiana del siglo VI a.C. y V a.C., es muy útil para la historia de las clases populares. 
  4. La pintura mayor (lienzos, frescos...etc.) de los griegos se perdió absolutamente toda, a nosotros nada ha llegado, ni cuadros ni murales, pero gracias a la cerámica griega podemos "construir" la pintura mayor. 
Los vasos griegos seguían un proceso de fabricación simple: primero se extraía el barro rojizo, se fabricaba el recipiente (a torno rápido), se metía en el horno para darle una primera cocción, se pintaba y por último se daba una segunda cocción para que la pintura se fijase. 

La cerámica ática tiene dos fases artísticas, una primera fase con figuras de color negro sobre un fondo anaranjado o rojo (cerámica de figuras negras) y una segunda fase con el fondo en negro y las figuras anaranjadas o rojas (cerámica de figuras rojas). Nosotros en esta entrada vamos a ver la cerámica ática de figuras negras. 

Las piezas por antonomasia que fabricaban los griegos atenienses era el ánfora y la crátera, aunque luego llegarán a especializarse en formas como los kylix, Pixis y alabastrones, que son cerámicas pequeñas. Esto ocurrirá cuando el comercio de Corinto se venga abajo cuando pierde por la competencia de Atenas. Entonces muchos artistas  de Corinto emigrarán a muchas zonas, entre ellas a Atenas, donde llevarán la técnica y destreza para fabricar estas piezas pequeñas. A los atenienses les gustaba contar historias en los vasos por eso desde un primer momento prefirieron las formas cerámicas grandes.
Los atenienses copiarán motivos corintios geométricos, figuras como el loto, palmetas, hiedras, laurel, volutas, meandros...etc., que meterán para rellenar los espacios vacíos del vaso alrededor de la escena. Pero esto solo lo harán en los primeros momentos de influencia corintia, luego eliminarán estos motivos para dejar sola la escena importante. 

Los detalles se marcaban con un punzón rallando la pintura, por lo que el dibujante debía ser muy bueno, si se pasaba rallando alguna parte el vaso debía tirarse o venderse a mucho menos precio debido al fallo. 
Respecto a las figuras dibujadas serán bidimensionales: ojo de frente-cabeza de perfil, y hasta la mitad del siglo VI a.C. los vestidos dibujados serán rígidos y sin pliegues (en época clásica adquirirán movimiento). 

Vamos a comenzar viendo cerámicas y pinturas. La única pintura que tenemos fuera de un recipiente cerámico es la conocida como Tablilla de Pitsa, una tablilla encontrada en una cueva cerca de Corinto.
Tablilla de Pitsa - Imagen de dominio público
Sabemos gracias a la tabilla que en esa cuerva se adoraba a las ninfas ya que en la tablilla aparece escrito que las personas representadas llevan ofrendas como ovejas, liras...etc. a las ninfas. Las ofrendas son depositadas en un altar a la derecha. Vemos como el dibujo sigue los patrones que antes hemos dicho: cabeza de perfil, ojo de frente...etc.

Comencemos ahora con la cerámica de gran tamaño. Vamos a ver el ánfora del Pintor de Nessos. Este ánfora es de muy temprana fechación, estamos hablando del 620 a.C. La pieza mide 1,22 metros, está en el museo nacional de Atenas. Fue un vaso funerario.
Esta pieza es muy conocida por la pintura que decora su cuello: Herakles dando muerte al centauro Nessos (tiene además los nombres escritos). En el cuerpo de la pieza están dibujadas las gorgonas volando. En la pintura vemos como hay movimiento desde épocas muy tempranas (el centauro mira hacia delante pero sus brazos suplican hacia atrás), cosa que no pasaba en la escultura en fases tan tempranas arcaicas, y menos en el 620 a.C. Si se observa con detalle el dibujo se puede apreciar el rallado que se le hace con punzón a las imágenes para marcar detalles con líneas blancas.
La composición pictórica es triangular ya que la las piernas de Herakles y el centauro forman un espacio más ancho que la parte superior donde están sus cabezas. 
Por último señalar la influencia corintia en el relleno a base de rosetas en las zonas más vacías.
Ánfora del pintor de Nessos
(Autor foto: Marcus Cyron. Fuente: wikipedia)
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Tras ver el ánfora del pintor de Nessos llegamos por fin al primer fragmento de cerámica en el cual conocemos al autor del dibujo. El pintor se llamaba Sóphilos, y el fragmento de cerámica es conocido como Juegos en honor a Patroklos. De Sóphilos conocemos 3 vasos que se datan entre el 570-560 a.C. Corresponden a la época en que Solón gobernaba Atenas. Tiene influencia corintia en el relleno de animales. En el labio de la pieza cerámica se encuentra un friso de animales (de clara influencia orientalizante),en el cuerpo de la cerámica se observa una escena con un caballo blanco y otro negro corriendo, y una tribuna con gente que mira. Debajo de la escena principal hay otro friso de animales orientalizantes y por último, la escena de abajo del todo, representa una procesión de gente. Haz clic AQUÍ para ver una imagen de la pieza cerámica.
Estos juegos que se representan no son juegos olímpicos o píticos, son juegos en honor a Atenea (fiestas panatenaikas) que se hacían en exclusiva en la ciudad de Atenas. Estos juegos se instauran en el año 566 a.C. y en ellos se regalaban las ánforas conocidas como panatenaikas.  

Seguimos con otra pieza cerámica, en este caso una gran crátera conocida con el nombre de Vaso François. Es una obra maestra fechada en el 550-530 a.C., de la cual se conoce el nombre de su alfarero (llamado Ergotimos) y su pintor (Klitias). Fue descubierta esta crátera en una tumba etrusca en Chiusi en 1884. El nombre que recibe es debido a su descubridor, Alessandro François. Actualmente se encuentra en el museo arqueológico de Florencia. 
La crátera tiene una altura de 66 cm, con una anchura de 57 centímetros de diámetro de boca. Es una crátera de tipo volutas, fue un regalo de bodas que al fallecer luego la persona fue colocado en su tumba a modo de ajuar.
Vaso François
(Autor foto: Sailko. Fuente: wikipedia)
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Vamos a ir analizando su decoración por franjas. En el labio de la crátera hay representada una escena mitológica: la cacería del jabalí de Calidón, y por la parte de atrás, también en el labio pero que no se aprecia en la fotografía, hay representada otra escena mitológica: el desembarco de los compañeros de Teseo en la ciudad de Delos. 
La segunda franja, la del cuello de la pieza, tiene representado unos juegos fúnebres en honor a Patroklos, y por detrás una centauromaquia. 
La tercera franja tiene representada la boda de Tetis y Peleo, además de incluir la firma de los autores.
La cuarta franja tiene representado a Aquiles y Troilos, y por detrás la escena del retorno de Hefesto al Olimpo.
La quinta franja está decorada con esfinges, combate de animales y palmetas. Si seguimos bajando hay decoración a base de dientes de lobo y por último, en el pie del vaso hay una escena de combate entre grullas y pigmeos. 
En las asas de la crátera está representada la diosa Artemis como domadora de fieras y Ajax llevando a Aquiles tras se éste último alcanzado por una flecha en su pie.
En total hay 270 figuras de una gran perfección para la época, con un dibujo claro, elegante, seguro, de estilo cuidado, claridad compositiva, profundidad (gracias a la superposición de cuerpos en la centauromaquia) y con incisiones precisas. Es una obra que marca el auge de la cerámica ática durante el siglo VI a.C. Por último añadir que la crátera originalmente se encontró en perfecto estado y de una sola pieza, pero una vez expuesta en el museo, un trabajador en una disputa rompió el vaso con un palo de madera por lo que quedó hecho pedazos (más de 600 trozos). Este hecho ocurrió en 1900.

Cambiamos de pintor. El que vamos a ver se llamó Nearchos, de mitad del siglo VI a.C. Conservamos un fragmento de cerámica procedente de un kantaros, en el que Nearchos pintó una escena de la Ilíada en la cual Aquiles está con sus caballos. En la escena Aquiles sale a vengar a su compañero Patroklos (muerto en batalla) y en ese momento su caballo le habla y le dice que si va a la batalla morirá. Aquiles recrimina a su caballo por ser un mal agorero, pero al final lo que dijo el caballo se cumplió y Aquiles acaba siendo atravesado por una flecha en su único punto débil: su talón. Es una obra magnífica en cuanto a incisión, tiene una buena alternancia entre blancos y negros, siendo de las primeras veces que vemos la pintura blanca. Para ver el fragmento haz clic AQUÍ.

Seguimos ahora con el pintor de Lydos. Fue un autor prolífico del que se conservan bastantes obras. Su producción es de los años 550-540 a.C. y se especializó en ánforas y cráteras, aunque también se sabe que pintó placas funerarias que por aquel entonces se pusieron de moda en Atenas. Tiene dinos con escenas de la gigantomaquia, una crátera donde representa el juicio de Paris, e introduce muchas escenas cotidianas (de deporte, de familia...etc.).
Pintura del pintor de Lydos donde se ve a un guerrero partiendo hacia la guerra - Imagen de dominio público
Otro pintor de la época fue el conocido Pintor de Amasis. Es más reciente que los que hemos visto, ya que este pintor desarrolla su producción desde 550 a.C. pero llega hasta el 520 a.C. Vive en la época de la tiranía de Pisístrato y es también más moderno que Lydos en su técnica. Tiene 10 vasos firmados pero se le atribuyen 92 vasos más por similitud en su forma de pintar y rallar. Es de los pocos pintores que  se cree que fueron a la vez ceramista. Sus vasos tienen escenas dionisíacas principalmente o escenas de la vida cotidiana. 
Uno de sus pinturas más conocidas es la llamada Ánfora de Munich, en la cual se representa en una de sus caras a Dionisos con un kantaros y unas jóvenes que le llevan una presa de una caza reciente. Tiene el detalle perfecto de la incisión, decoración con dientes de lobo, motivos vegetales (como ramas de hiedra, atributo de Dionisos)...etc. El fondo es negro brillante, gracias a un barnizado excelente. No es una pintura muy cargante, ya que se ha eliminado el exceso de decoración que se podía apreciar en piezas más antiguas donde cualquier hueco es prácticamente relleno con algún detalle. 
Ánfora de Munich - Imagen de dominio público
Llegamos al último gran pintor que vamos a ver en esta entrada. Es el conocido como Exequias. Su producción está fechada en la segunda mitad del siglo VI a.C. Conocemos con certeza 11 vasos firmados de él, y es el pintor arcaico más importante, por encima incluso de Klitias. Además Exequias era a su vez alfarero.
Sus pinturas se caracterizan por una composición limpia, de contornos bien definidos, perfiles netos, figuras reposadas y con gusto por lo aristocrático. Es de puro estilo ateniense. Sus obras son:
- Ánfora del British Museum o Muerte de Penthesileia (o Pentesilea): se deja espacio para las figuras que ocupan prácticamente todo el vaso. La composición de la escena es triangular. De los ojos de Aquiles a Penthesileia hay una línea recta, se incluye el color blanco en la composición, y tiene una incisión realizada con suma presición. Por detrás la ánfora tiene una escena con Dionisos con un kantaros y un joven que le va a servir vino (además de decoración con hiedra, atributo de Dionisos). El ánfora cuenta con motivos que decoran el pie y el cuello.
Ánfora Muerte de Penthesileia  - Imagen de dominio público.
Ánfora de la Muerte de Penthesileia vista por la parte de atrás
(Autor foto: Marie-Lan Nguyen (User:Jastrow). Fuente: wikipedia)
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Otra ánfora de Exequias es la conocida como Ánfora del Museo del Vaticano o también como Ánfora de Aquiles y Ajax (o Áyax) jugando a los dados. Esta ánfora tiene una escena donde Aquiles y Ajax juegan a los dados. Es una composición triangular de las figuras (formada por dos cuerpos que se inclinan), donde el artista busca la profundidad mediante la superposición de piernas, brazos y lanzas. La escena tiene los nombres de los personajes y además dos escrituras con las palabras que están pronunciando -diciendo los números que le salen en los dados- (todavía no existen los bocadillos como en los cómics que engloban el habla escrita).
Aquiles y Áyax (Ajax) jugando a los dados - Imagen de dominio público
Por la otra parte el ánfora tiene una escena de los Dioscuros (Cástor y Pólux) llegando a casa después de un viaje y siendo recibidos por sus padres (Leda y Tíndaro), su perro y su esclavo que acude presto a traerles un sillón y un ariballos. Esta escena tiene dos planos superpuestos (los caballos están colocados detrás de los Dioscuros). Los trazos son escasos para marcar hombros y piernas, y los dedos están representados extremadamente largos. 
El ánfora mide 61 centímetros de altura 

Por último comentar que Exequias también pintaba estelas funerarias o piezas cerámicas pequeñas, la prueba de esto último es un kylix que se ha conservado de este autor que se conoce con el nombre de Kylix de Dionisos, que está decorado por dentro y por fuera, aunque por dentro de manera sublime. Narra la escena en la que el barco de Dionisos es conducido por piratas y éstos pretendían pedir un rescate por el dios. Dionisos convierte el mástil del barco en una vid, los piratas asustados se lanzan al agua y Dionisos hace que al caer al mar se transformen en delfines. Este dibujo es interesante ya que nos sirve para conocer exactamente como eran los barcos de la época.
Kylix de Dionisos
(Autor foto: MatthiasKabel. Fuente: wikipedia)
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Aquí dejo la entrada. El próximo día veremos los llamados "pequeños maestros de las figuras negras", las ánforas panatenaikas de figuras negras y la cerámica de figuras rojas arcaicas. 

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